• Le livre de chevet de tous les acteurs encore aujourd'hui. Publié en 1936, écrit de manière très vivante et pédagogique sous la forme d'un journal intime tenu par un élève de Stanislavski, il montre comment être un bon acteur. Tous les aspects sont abordés: l'action, la créativité, la concentration, la relaxation des muscles, le travail en groupe, la mémoire, etc. « Il n'est pas de comédien authentique qui n'ait, un jour ou l'autre, emprunté sciemment ou non quelques-uns des sentiers de cette analyse », écrit Jean Vilar dans sa préface.

  • J'ai dit à mes débuts qu'il ne fallait pas plus de quatre heures - et encore, quand on n'est pas doué - pour apprendre la mise en scène, et je le pense toujours.
    Il suffit de quatre heures pour apprendre ce qui est nécessaire : à quoi correspondent les objectifs, la petite grammaire sur la direction des regards, comment réaliser les mouvements d'appareil, la profondeur de champ. Claude Chabrol Du choix du sujet à l'écriture du scénario de la recherche d'un producteur à l'aventure du tournage de la direction d'acteurs à celle des techniciens de la finition du film à la sortie en salles - le service après vente -, Claude Chabrol nous donne une vision chaleureuse et caustique de son métier.

  • Avec ce manuel illustré, Ludoc nous transmet son expérience de réalisateur tout-terrain pour apprendre à créer des vidéos par ses propres moyens avec un budget limité.
    Ce livre permet de découvrir les bases de la réalisation en 10 chapitres, de l'écriture au montage final, à travers ses différentes étapes : prendre le son, éclairer une scène, composer son cadre, filmer un dialogue, monter sa vidéo...

    Chaque technique est accompagnée d'une analyse de séquences de film puis d'une "bidouille" pour reproduire l'effet avec de faibles moyens. Ce manuel s'adresse à toutes et à tous, étudiant.e.s en écoles de cinéma et BTS audiovisuels, mais aussi aux jeunes créateurs et créatrices autodidactes qui veulent se lancer dans la vidéo.

  • Dans la joie du voyage, le plaisir du flash-back et des remontées en surface, Yann Dedet, monteur, revient ici sur cinquante ans de carrière et une bonne centaine de films. Avec un sens unique du détail, mais attentif aux grandes lignes, il se rappelle ses collaborations au long cours avec Truffaut, Stévenin, Pialat, Garrel, Poirier et tous les autres. Pourquoi n'avoir jamais monté plus d'un film avec la même réalisatrice? Comment oublier le scénario et regarder le film en fac? Qu'est-ce qui fait du monteur un psychanalyste d'occasion, un amant passager et un philosophe platonicien? Et quel étrange syndrome pousse les cinéastes à lui demander des plans qu'ils n'ont pas tournés? Dans cette seconde chambre obscure, le gardien ultime de la mémoire parvient-il toujours à retrouver le rêve du film?

  • Place´ sur le devant de la sce`ne par Tim Burton (L'E´trange Noe¨l de monsieur Jack), Nick Park (Wallace et Gromit) ou Wes Anderson (Fantastic Mr. Fox), le stop motion repose sur une technique simple et myste´rieuse a` la fois : elle consiste a` donner l'illusion du mouvement et de la vie a` des objets, des jouets, des marionnettes articule´es, des figurines de pa^te a` modeler filme´s image par image. Des ge´ants venus de l'Est, Ladislas Starewitch, George Pal, Jir?i´ Trnka, l'ont porte´ a` ses sommets. Il a conquis les E´tats-Unis, le Japon et la Chine, a contribue´ a` l'a^ge d'or des effets spe´ciaux, de King Kong a` Star Wars, et s'est invite´ aux riches heures de la te´le´vision. En ouvrant le cine´ma d'animation a` la troisie`me dimension, il a pre´pare´ la voie a` Toy Story avant qu'une nouvelle ge´ne´ration de re´alisateurs, se´duite par son co^te´ «?fait main?», le ple´biscite a` son tour et le re´invente. De Georges Me´lie`s a` Michel Gondry, de Jason et les Argonautes a` Ma vie de Courgette, ce livre est le premier a` dresser un panorama historique, esthe´tique et technique aussi complet de ce continent me´connu du 7e art. Il s'adresse aussi bien au spe´cialiste qu'au cine´phile curieux.

    Xavier Kawa-Topor et Philippe Moins sont spécialistes du cinéma d'animation. Ensemble, ils ont dirigé l'ouvrage collectif Le Cinéma d'animation en 100 films (Capricci, 2016).

  • Dans L'Anatomie du scénario, John Truby utilise l'image de l'anatomie humaine pour expliquer comment les éléments dramaturgiques s'assemblent afin de constituer une histoire. Par exemple, qu'est-ce qu'un bon TV drama ?
    D'abord, il faut choisir « l'arène » où va se dérouler l'histoire. Et bâtir le réseau de personnages autour de solides liens contraires d'attraction/opposition. Puis tisser l'histoire à partir de l'entrelacement des « lignes de désir » des personnages, les unes ne dépassant pas un épisode (la résolution d'un crime dans Les Experts) tandis que les autres courront sur une ou plusieurs saisons. Reste à définir le ou les genres adoptés - soap opera, comédie, thriller, etc. - et à ménager l'« extensibilité » de la série, autrement dit sa capacité à durer ! Mais encore soigner l'originalité du concept, qui peut passer par une combinaison de différents genres ou par le choix d'une localisation géographique et temporelle inédite, comme l'excellente collision du milieu publicitaire et du New York des années 1960 dans la série Mad Men. Pour finir, peaufiner le développement émotionnel du (des) héros !
    Dans l'abondance de références romanesques et cinéphiles qui nourrissent le manuel de John Truby, J.K. Rowling côtoie James Joyce, et La Guerre des étoiles suit de près Boulevard du crépuscule. Observées de près, les fameuses sept étapes dégagées par John Truby collent aussi bien à la trajectoire du Parrain de Coppola qu'à la progression des héros de la série Six Feet Under ou au retour d'Ulysse dans l'Odyssée d'Homère.
    Concret, documenté, ingénieux et pratique, L'Anatomie du scénario est la bible de tout bon scénariste.

  • Les réalisateurs sont les maîtres d'oeuvre d'un film. Cet ouvrage leur est consacré : de Pedro Almodóvar à Zhang Yimou, en passant par Olivier Assayas, Susanne Bier ou encore Guillermo del Toro, dix-sept réalisateurs emblématiques se dévoilent et évoquent leurs méthodes de travail, leurs secrets de tournage, leur savoir-faire et leur vision, avec passion et générosité. L'ouvrage dresse en outre le portrait de cinq grands cinéastes qui ont marqué les générations : Ingmar Bergman, John Ford, Jean-Luc Godard, Alfred Hitchcock et Akira Kurosawa.
    Adaptation poche d'un ouvrage ayant déjà fait l'objet de deux présentations illustrées : « Métier : Réalisateur - Quand les maîtres du cinéma se racontent » (9782100705009, 2014) et « Action ! - Les secrets des grands réalisateurs » (9782100754670, NP 2016). Actualisation des biographies, sélection et organisation des textes : Olivier Cotte.

  • Spielberg est capable d'impliquer émotionnellement le public, qu'il soit en train de tourner l'aventure vécue par un groupe de jeunes gens, une poursuite dramatique ou la plus sombre des scènes de guerre. Le réalisateur utilise toujours une série de techniques qui rendent le cadrage parfaitement clair et fait naître des émotions intenses chez le spectateur. Ce volume révèle les secrets des techniques fondamentales utilisées par Spielberg et montre comment, avec quelques mouvements de la caméra et des positions bien définies, un film peut résulter empreint d'étonnement, de frissons et d'émotion.

  • Apprenez à concevoir les fondations de votre histoire et à maîtriser des outils aussi variés que les jalons, la structure enrichie ou les sous-intrigues thématiques. Découvrez comment créer la trajectoire interne d'un personnage et comment la théorie fractale peut être appliquée à l'écriture d'un récit. Voyez comment éviter les facilités et les deus ex machina.
    Maîtrisez l'installation et l'exploitation de ce puissant outil qu'est l'ironie dramatique. Trouvez des centaines d'astuces sur le sens, la comédie, le pitch, les fins, la caractérisation, les enjeux, les méchants...

  • Le montage est la dernière écriture d'un film. Bien qu'assez méconnu, il est donc une étape essentielle de la création audiovisuelle et cinématographique. Ce livre complet et didactique s'adresse à celles et ceux qui souhaitent en découvrir toutes les dimensions.
    Après avoir présenté la place que le montage occupe au sein de la production d'un film, cet ouvrage expose les fondamentaux, de la séquence au raccord. Il définit ensuite les notions de base de ses différentes étapes, de l'organisation des rushes au visionnage. Y sont également détaillées et illustrées les grandes figures de style, ainsi que les aspects techniques et esthétiques essentiels : rythme, enjeux de narration, spécificités de la fiction, du documentaire, de la série et des nouvelles écritures (films interactifs, réalité virtuelle, etc.).

  • Tous les cinéphiles et les étudiants en cinéma rêvent de pouvoir dialoguer avec les plus grands réalisateurs.
    Trente-neuf cinéastes de toutes nationalités racontent ici leurs méthodes de travail pour le choix du sujet, l'écriture du scénario, le découpage, la direction des acteurs, les répétitions, l'improvisation, l'organisation du tournage...
    Répondant aux mêmes questions et se prêtant à l'exercice de la « leçon de cinéma », ils décrivent à l'aide d'exemples concrets le processus de création au quotidien et nous permettent de comprendre en quoi des visions artistiques très différentes appellent des mises en oeuvre tout aussi diverses.
    Au contraire de bien des ouvrages spécialisés, ce livre ne donne donc pas de recettes toutes faites et prétendument universelles, mais révèle nombre de secrets de fabrication des plus grands réalisateurs, laissant entrevoir qu'en matière de création il n'y a pas de règles ou que tout au plus elles existent pour être transgressées.

  • Que se passe-t-il lorsqu'une oeuvre littéraire est adaptée au cinéma ? Pour analyser le passage du texte à l'image, comment aller au-delà d'une simple énumération des changements ? Une adaptation cinématographique est-elle une interprétation d'un texte ou un objet autonome ?
    De La Princesse de Clèves à Shining, de Tamara Drewe à Madame Bovary, Jean Cléder et Laurent Jullier examinent les notions de personnage, de narration ou de fidélité, pour présenter des clefs de réflexion dans cette perspective : mieux comprendre ce qui se joue lorsqu'un livre devient film (et inversement).
    Analyser une adaptation nous invite à identifier les spécificités de chaque genre et les passerelles qui les relient, en abandonnant la séparation entre les arts qui limite la compréhension de la littérature comme du cinéma, pour les faire véritablement dialoguer.

  • Le montage au cinéma ne se résume pas à une opération technique qui consiste à couper et coller des morceaux de pellicule pour en faire un film. C'est avant tout une opération complexe qui exige de la créativité et nécessite une approche esthétique de l'oeuvre. Associer des images en un certain ordre, les agencer selon un certain rythme, créer des ruptures ou des continuités, tel est l'art du montage.
    Ce livre a pour objectif de tracer un panorama des différentes conceptions du montage tout au long de l'histoire du cinéma et de proposer une analyse de cette technique au coeur de nombreux domaines de représentations.
    L'auteur illustre son exposé par nombre d'exemples de montage de films, notamment à travers ceux d'Orson Welles, d'Alain Resnais ou encore de Maurice Pialat. Enfin, il montre en quoi l'évolution des techniques te des pratiques de montage influe naturellement sur l'esthétique des films. Nouvelle édition actualisée.

  • Techniques du cinéma

    Vincent Pinel

    Le cinéma est un art. Un art indissociable des techniques qui le rendent possible. De la prise de vues au mixage en passant par la prise de son, le montage ou l'étalonnage, chaque étape de la création d'un film fait appel à des techniques, des supports, des outils à partir desquels l'oeuvre prend corps.
    Cet ouvrage fait le point sur les instruments, les principes et procédés relatifs à l'image et au son qui, depuis la chambre noire jusqu'au numérique, sont à la disposition du cinéaste. Il donne à comprendre les différents stades de l'élaboration d'une oeuvre cinématographique, depuis son projet jusqu'à sa diffusion.

  • Prise de vues, montage, cadre, mouvements de caméra, raccords, transitions et effets visuels constituent la grammaire du cinéma. Moyens d'expression du réalisateur, ils lui permettent de raconter une histoire, créer une ambiance et transmettre des émotions.
    Outil indispensable pour l'étudiant en cinéma ou le cinéphile, ce livre pratique expose les techniques, règles et principes du langage filmé, illustrés de photogrammes, de schémas explicatifs et explicités par un glossaire en fin de volume. Cette 2e  édition enrichie propose de nouveaux chapitres consacrés aux trucages et aux effets spéciaux.
    Dans une approche originale et pédagogique, l'auteur analyse et décortique plus de 200  extraits de films choisis dans le cinéma classique, de genre et contemporain. Une invitation à revisiter l'histoire mondiale du 7e  art et de ses créateurs pour découvrir et comprendre le langage cinématographique.
     

  • Les chefs opérateurs traduisent le récit en images. Ils contrôlent le cadre et les mouvements de caméra. Ils inventent ou domestiquent la lumière et s'en servent moins comme un pinceau que comme un stylo :
    C'est l'étymologie même du mot « photographie ». Leur statut est paradoxal. Ce sont des créateurs, mais pas des auteurs. Ce sont des artistes, mais pas des interprètes.
    Ce sont des « chefs » qui souvent prennent leurs décisions en toute autonomie sur le plateau, mais aussi les « serviteurs » d'un projet derrière lequel leur ego doit s'effacer.
    Cet ouvrage explore les secrets d'une profession et révèle la diversité des parcours.

  • Animateur de séminaires à la renommée internationale et auteur d'un best-seller consacré à l'écriture de scénario, Robert McKee présente ici les grands principes de l'écriture de dialogues pour la page, la scène et l'écran.

    De nombreuses analyses de scènes dramatisées et de conflits en tout genre illustrent son propos : en littérature (Loin des yeux, Gatsby le Magnifique, Mademoiselle Else, Le Musée de l'innocence...), au théâtre (Qui a peur de Virginia Woolf, Un tramway nommé désir, Jules César, Un raisin au soleil...), à la télévision (Breaking Bad, House of Cards, True Detective, Les Soprano...) et au cinéma (Le Grand Sommeil, Coups de feu sur Broadway, Gladiator, Lost in Translation...).

    Explorez la nature d'un dialogue et son expressivité, puis découvrez les méthodes d'un spécialiste afin de maîtriser les tactiques verbales qui structurent votre histoire et donnent corps à vos personnages.

  • Qu'est-ce que le cinéma invente à partir de la vie quotidienne ? Comment les formes cinématographiques représentent-elles la dimension la plus ordinaire et la plus insaisissable de notre existence ?
    Du point de vue de la création artistique, on mettra en lumière ce qui s'élabore à partir de la quotidienneté :
    L'énumération (les listes, les séries), le travail du rythme (à travers les cycles journaliers, les jeux de répétition), les flux (le passage des heures, le vide et le plein, la circulation urbaine), l'étude des gestes et du mouvement des corps. Cette réflexion nous permettra, en dernier lieu, d'interroger les enjeux esthétiques et politiques de la mise en scène d'actions journalières, afin de mieux saisir comment le cinéma nous engage à repenser la question du quotidien.

  • Le montage selon Eisenstein : un concept et une pratique qui font de l'oeuvre d'art le fondement d'une expérience de la liberté

  • L'art du story-board

    Giuseppe Cristiano

    • Eyrolles
    • 12 Janvier 2017

    Cinéma, clips publicitaires ou musicaux, jeux vidéo, émissions de télévision : autant de réalisations pour lesquelles le story-board joue un rôle prépondérant. Étape essentielle du processus créatif, il déroule le projet sur le papier en lui donnant forme et cohérence.

    Véritable budget en images, le story-board détaille tout - plans, scènes, personnages, équipement et installations -, permettant au directeur de production d'évaluer le nombre de jours de tournage et de les organiser, au chef décorateur de savoir précisément ce qui apparaîtra à l'écran, etc. Il peut par exemple découper une scène d'action plan par plan, ce qui permettra une économie considérable de temps, d'argent et d'anxiété lors du tournage.

    L'art du story-board est un guide complet, expliquant de façon concrète comment développer sa technique de dessin, maîtriser les "codes" du story-board, interpréter le document de départ (brief, scénario, etc.), s'adapter aux demandes du client. Il décrit avec précision la construction des scènes, des séquences, et donne les clés pour composer, cadrer et enchaîner les images. Le texte s'appuie sur une riche illustration composée de planches réalisées par des étudiants et des professionnels. L'ouvrage s'achève par une description des différentes façons d'être "story-boardeur", et par des conseils pratiques pour se lancer dans le métier.

  • Comment analyser une séquence de film ? Qu'on s'y lance pour le plaisir ou dans le cadre d'un examen, il est prudent de partir bien équipé.
    Ce livre est conçu comme une boîte à outils. Il fournit les bases indispensables à l'exercice d'analyse, en matière aussi bien de technique que d'esthétique. Chacun des outils est présenté à l'aide de tableaux, de photogrammes et d'exemples de films puisés dans toute l'histoire du cinéma. Nul besoin d'être un cinéphile accompli pour se les approprier.
    Des descriptifs d'épreuves, enfin, parmi celles qui comportent une analyse de séquence, sont fournis et commentés : l'option cinéma du bac et des agrégations de lettres et d'arts plastiques, les concours d'entrée à l'ENS (Lyon et Paris), à la Fémis, à Louis-Lumière et à l'INSAS (Bruxelles).

    Cette cinquième édition refondue propose quatre nouveaux exemples d'analyse :  Gilda (Charles  Vidor, 1946), Beau-père (Bertrand  Blier,1981), Les Amitiés maléfiques (Emmanuel  Bourdieu, 2006), Control (Anton Corbijn, 2007).

  • L'écriture des scénarios

    Jean-Marie Roth

    • Dixit
    • 11 Septembre 2018

    Avec un sens pratique reconnu et une précision rigoureuse n'interdisant pas l'humour, Jean-Marie Roth vous invite à découvrir les secrets de la dramaturgie, ses règles fondamentales, mais également ses clés, outils et astuces permettant d'aborder le plus simplement possible l'écriture scénaristique.
    De l'idée de votre film ou série, à la recherche d'un producteur, voire à la vente de votre projet, cet ouvrage vous guide pas à pas, sans jamais vous perdre en route.
    De nombreux exercices et leurs corrigés ainsi qu'un précieux carnet d'adresses particulièrement bien fourni sont autant d'atouts supplémentaires destinés à mettre toutes les chances de votre côté.

  • Il y a en Louisiane une sorte d'autoroute qui traverse sur pilotis le lac Ponchartrain, plus de quarante kilomètres en ligne droite au-dessus de l'eau. Tôt le matin, tard le soir, c'est une destination vers un lieu de tournage ; trente minutes à cent à l'heure. Et la première question du jour se pose en regardant la lumière et le ciel se reflétant sur l'eau, "comment, de quelle manière, filmer ce paysage ? Où mettre la caméra, quel mouvement lui donner, où placer le point de fuite, la ligne d'horizon, quel filtre, quel objectif utiliser ? Comment décrire ce qu'on ne peut encore voir ?". Toutes ces questions font partie d'une pratique quotidienne, souterraine et semi-consciente, pratique d'un "rendre compte" des impressions fugitives que sont ces bribes de paysages perçues en chemin. Exercice qui consiste à voir les choses à l'intérieur d'un rectangle, à évaluer des contrastes, des rapports de couleur, des accords et des ruptures. Avant tout, le chef opérateur est un archiviste.

  • Maîtriser les techniques d'animation des grands maîtres du dessin animé est toujours aujourd'hui un préalable indispensable à l'apprentissage des jeunes dessinateurs, y compris pour l'animation moins traditionnelle qu'est la 3D, par exemple.

    Célèbre animateur passé par les studios Disney (Fantasia, Bambi...) et Tex Avery, Preston Blair donne ici un cours sur le dessin des personnages, des corps et du mouvement, en mettant l'accent sur la perspective, la physionomie et les émotions, la synchronisation de la caméra, du personnage et du son, le traitement des arrière-plans et l'élaboration des storyboards. Il répertorie également les erreurs les plus habituelles à éviter quand on fait bouger (courir, danser, tomber...) un personnage.

    Enfin réédité en langue française, ce classique indémodable de l'art de l'animation est un guide essentiel pour tous ceux qui se destinent au dessin animé, au jeu vidéo et à la 3D.

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