Littérature traduite

  • A la recherche du temps perdu est l'un des romans les plus profondément visuels de la littérature occidentale.
    Le texte de Marcel Proust abonde en références picturales : le personnage d'Elstir est directement inspiré des peintres James whistler et Paul Helleu ; l'apparence de Boch enfant a de nombreux points communs avec le portrait du sultan Mehmet II par Gentile Bellini ; Odette de Crécy frappe Swann par sa ressemblance avec une figure peinte à fresque par Botticelli. D'un personnage secondaire, une certaine Mme Blatin, proust va même jusqu'à écrire que " c'est exactement le portrait de Savonarole par Fra Bartolomeo ".
    De même que le jeune narrateur, à bord d'un train le menant à Balbec, ne cesse de "courir d'une fenêtre à l'autre (. ) pour rentoiler les fragments (de son) beau matin écarlate et versatile et en avoir une vue totale et un tableau continu ", l'auteur du présent ouvrage tente de réunir dans un même volume les tableaux fugitivement évoqués et imbriqués dans la trame de ce roman émouvant, afin d'offrir pour la première fois au lecteur " une vue totale et un tableau continu ".
    Toutes les oeuvres du roman, qu'elles soient nommément citées ou simplement évoquées par Proust, sont ici reproduites avec, en vis-à-vis, le passage de la recherche dans lequel elles sont mentionnées. Anges de Botticelli, courtisanes de Manet, guerriers de Mantegna et saints de Carpaccio se mêlent ainsi aux nymphéas de Monet et aux gravures de Rome par Piranèse. Le musée imaginaire de Marcel Proust est une référence incontournable pour tous les passionnés de Proust ainsi que pour tous ceux qui souhaiteraient aborder pour la première fois ce chef-d'oeuvre de la littérature française.

  • Incarné notamment par picasso et braque, le cubisme qui s'épanouit en france entre 1907 et 1914 est l'un des mouvements artistiques déterminants du xxe siècle.
    Il a non seulement bouleversé la peinture, la sculpture et la photographie, mais aussi marqué de son empreinte l'architecture et tous les autres champs de création, du mobilier à la mode en passant par les objets du quotidien. le présent ouvrage retrace l'influence du cubisme sur la culture de son époque et sur celle qui suivra, mais démontre également à quel point il fut lui-même conditionné par les profonds changements esthétiques, philosophiques, politiques et sociétaux que connaissait la france au début du xxe siècle : le bergsonisme, les nouvelles avancées scientifiques ou encore la montée du nationalisme et du féminisme.
    Abondamment documenté et s'appuyant sur les toutes dernières connaissances et analyses sur le sujet, cet ouvrage resitue le cubisme dans une perspective plus large que celle de la seule sphère esthétique, révélant ainsi son importance majeure dans l'histoire.

  • artisanats du monde Bryan et Polly Sentance Traduit de l'anglais par Lydie
    Echasseriau Parution : 1er avril 2010 Ce livre de référence sur l'artisanat
    mondial est une source de renseignements indispensable pour tous ceux -
    amateurs, étudiants, collectionneurs, voyageurs - qui s'intéressent à l'art, à
    l'artisanat et aux objets décoratifs, ainsi qu'à tout ce qui fait le sel de la
    culture humaine : sa diversité. Le tissage berbère, les pendentifs
    talismaniques nord-africains, les tapis-tigres tibétains, l'origami japonais,
    les hameçons maori, les calebasses gravées d'Amérique du Sud, la poterie
    amazonienne, les oeufs peints de Hongrie, les perles de verre de Venise, les
    mâts totémiques du Pacifique, les boîtes des Shakers... La diversité des objets
    artisanaux présentés dans cet ouvrage est véritablement impressionnante. Ce
    livre est en effet le premier à passer en revue, à l'échelle mon-diale, un si
    grand nombre de pratiques artisanales. La description et l'histoire des
    techniques utilisées - du tissage sur un métier de ceinture au découpage du
    papier en passant par la fonte des métaux ou la sculpture sur bois - et les
    illustrations qui les accompagnent mettent en lumière l'incroyable diversité
    des styles et l'originalité des différentes traditions. Qu'ils soient anciens
    ou contemporains, les objets présentés au fil des pages sont tous le fruit de
    méthodes de fabrication traditionnelles. Cet ouvrage s'organise en 6 chapitres,
    chacun consacré à une zone géographique précise : - l'Amérique du Nord -
    l'Amérique latine - l'Europe - l'Afrique - l'Asie - l'Océanie. Abondamment
    illustré et accompagné d'une liste des musées et collections spécialisés dans
    l'art populaire et l'artisanat, ce livre rend hommage aux traditions et aux
    savoir-faire du monde entier. Il montre comment, partout dans le monde, malgré
    l'accélération du phénomène de la mondialisation, ces traditions restent
    paradoxalement bien vivantes. Bryan et Polly sentance ont passé de nombreuses
    années à collectionner et étudier les objets artisanaux à travers le monde
    entier. Bryan Sentance est artiste, illustrateur et enseignant en art et
    artisanat. Il est l'auteur, entre autres, des ouvrages suivants : Le Bois :
    l'artisanat du bois dans le monde (La Martinière, 2003) ; La Vannerie :
    techniques et traditions à travers le monde (Flammarion, 2001) ; et Textiles :
    le tour du monde illustré des techniques traditionnelles, en collaboration avec
    John Gillow (Alternatives, 2000). Polly Sentance s'intéresse depuis toujours à
    l'artisanat ethnique et a participé en tant que chercheuse et photographe à
    l'élaboration de plusieurs livres sur l'artisanat. Volume relié 24 x 28 cm -
    240 pages 480 illustrations dont 475 en couleurs ISBN : 978-2-87811-346-4 38 ?

  • Ciel pur, soleil ardent, mer étincelante donnent au littoral méditerranéen une qualité de vie particulière qui se reflète pleinement dans les vingt-cinq maisons contemporaines présentées ici. Du sud de l'Espagne au nord de l'Afrique, de la Côte d'Azur aux îles grecques, ces créations originales constituent une source d'inspiration pour les architectes et tous ceux qui souhaitent adapter au monde actuel l'art de vivre méditerranéen. Chaque villa possède sa propre personnalité, mais toutes se caractérisent par la pureté de leurs lignes, l'équilibre de leurs volumes et une manière originale d'abolir les frontières entre espace intérieur et monde extérieur.
    Les magnifiques photographies en couleurs, les descriptions détaillées et les plans de ces étonnantes villas construites par des grands noms de l'architecture comme Alberto Campo Baeza ou encore Rudy Riciotti séduiront les passionnés d'architecture contemporaine et de décoration intérieure.

  • La performance a joué un rôle fondamental dans l'histoire de l'art du XXe siècle et connaît, en ce début de XXIe siècle, un essor remarquable. Cette nouvelle édition mise à jour de l'ouvrage pionnier de RoseLee Goldberg rend compte des changements d'ordre technologique, politique et esthétique intervenus dans l'art de la performance ces dernières années ainsi que de l'augmentation impressionnante du nombre d'oeuvres produites dans ce domaine et de lieux qui lui sont consacrés dans le monde. Les oeuvres de Marina Abramovic, Francis Alÿs, Maurizio Cattelan, Paul McCarthy, Pierre Huygue, Matthew Barney, Patty Chang ou encore Allora et Calzadilla sont examinées en regard de celles des premiers praticiens du genre - futuristes, constructivistes, dadaïstes, surréalistes, artistes du Bauhaus - et de grands noms comme Yves Klein, Piero Manzoni, John Cage, Merce Cunningham, Gilbert & George, Dan Graham, Laurie Anderson, Robert Wilson, Pina Bausch ou Alain Platel.
    Moyen depuis toujours pour les artistes de briser les catégories consacrées, d'ouvrir de nouvelles voies et de marquer leur " différence ", la performance est l'une des formes artistiques majeures de notre époque.

  • Deuxième ouvrage de la série " Remake it ", Remake it Mode nous montre comment la mode, parfait miroir de notre temps, se veut aujourd'hui durable et éco-responsable. De nombreux créateurs et de nombreuses marques - de Martin Margiela à Christopher Raeburn, de Clements Ribeiro à Freitag - utilisent de façon novatrice des matériaux biologiques ou créent leurs vêtements et accessoires à partir de textiles recyclés, quand ils ne cherchent pas à faire revivre des vêtements hors d'usage. Parallèlement, le concept du " do it yourself " attire aujourd'hui de plus en plus de monde, car il fait contrepoids à la consommation de masse, à l'uniformisation de la mode et au règne du tout-jetable. C'est donc à la fois pour des raisons écologiques et pour répondre à une pulsion créatrice qu'on fabrique soi-même ses vêtements ou qu'on les customise en affirmant son individualité.

    Agrémenté de fiches pratiques, auxquelles viennent répondre de nombreux exemples de créateurs, cet ouvrage montre ainsi comment on peut inventer chez soi sa propre mode. Pour cela, savoir couper, découdre, teindre, draper, nouer et plus généralement réimaginer un vêtement est tout aussi utile que de savoir coudre. Improviser une tenue de soirée, agrandir les vêtements trop petits de ses enfants, fabriquer un cabas dans un tee-shirt ou une robe dans un foulard : une chose est certaine, les transformations les plus simples sont souvent les plus spectaculaires.

  • De novembre 2003 à juillet 2004, le critique d'art Martin Gayford se rend deux fois par semaine, en fin de journée, dans l'atelier de Freud - l'immense artiste britannique décédé en juillet 2011 à l'âge de 88 ans. Au fur et à mesure qu'émerge sur la toile son portrait - L'Homme à l'écharpe bleue -, nous découvrons la relation intense qui s'établit entre le peintre et son modèle, une relation qui fait partie intégrante de la manière de travailler de Freud.
    Grâce aux nombreuses et longues conversations rapportées par l'auteur, que celles-ci aient lieu dans l'atelier ou plus tard au restaurant où l'artiste aime à continuer d'observer son modèle, nous pénétrons dans l'univers intime de Freud qui livre quantité d'observations passionnantes sur l'histoire de l'art ou d'anecdotes souvent savoureuses sur sa vie. Ainsi, tandis que par petites touches successives Gayford nous raconte son expérience de modèle et nous fait comprendre de l'intérieur ce qu'est un portrait - une oeuvre d'art qui naît de la rencontre de deux individus -, un autre portrait se construit, fait de mots : celui de l'artiste au travail.
    Le livre est illustré de nombreuses oeuvres exécutées par Lucian Freud depuis les années 1940 jusqu'aux années 2000. Fourmillant d'observations d'une grande finesse et de confidences inattendues, L'Homme à l'écharpe bleue restera comme l'un des ouvrages les plus originaux et les plus captivants sur l'art pictural de notre époque.

  • Quoi de neuf dans nos bibliothèques ? Le fait qu'on puisse aujourd'hui faire rentrer tout le contenu de sa " bibliothèque " dans un appareil électronique de la taille et du poids d'un livre de poche est une révolution. Mais le changement prend aujourd'hui de multiples formes. Parallèlement à la révolution numérique, on assiste aussi - paradoxalement - à une explosion de créativité dans le design des bibliothèques, comme si la nécessité de lutter contre le virtuel passait par l'envie de créer de véritables écrins pour ces objets de désir que sont les livres.
    Les bibliothèques ne sont plus de simples étagères sur lesquelles ranger ses livres. Si la forme des bibliothèques est restée relativement inchangée pendant des siècles, depuis quelques années, les designers se sont rendus compte qu'elle se prête à de multiples possibilités d'invention. Toutes les formes, toutes les audaces et toutes les excentricités sont aujourd'hui permises. Cet ouvrage, en répertoriant 224 bibliothèques design, souligne ainsi l'extrême diversité des bibliothèques actuelles. De l'étagère extra small à la bibliothèque sculpturale qui recouvre toute une pièce, de la bibliothèque nomade à l'étagère qui se transforme en table ou en chaise, en passant par la bibliothèque-brouette, la bibliothèque-fauteuil, la bibliothèque roulante ou la bibliothèque en forme de vache, il y en a aujourd'hui pour tous les goûts.
    Certaines créations particulièrement originales transforment la modeste étagère en élément de décoration à part entière, et même en oeuvre d'art. Inversement, les bibliothèques sont aujourd'hui pour les artistes source d'inspiration. La bibliothèque devient une oeuvre d'art moderne, le lieu d'expérimentations techniques audacieuses et, par conséquent, le reflet des goûts artistiques de son propriétaire.
    Le désir d'exploiter l'espace au maximum est l'un des facteurs qui expliquent la vogue actuelle des meubles modulaires et multifonctions. En aménageant des rayonnages à l'intérieur même des fauteuils ou des canapés, beaucoup de designers assignent aujourd'hui à la bibliothèque une double fonction - le designer japonais Sakura Adachi a ainsi créé une formidable bibliothèque gain de place qui en une fraction de seconde se transforme en table pour deux personnes. Parallèlement, la bibliothèque devient de plus en plus mobile, comme en témoigne par exemple la bibliothèque en forme de roue de Michael Bihain qui permet de transporter ses livres partout à travers la maison.
    Les créations présentées dans cet ouvrage sont toutes à leur manière un hommage au livre. Aussi ingénieuses et pratiques qu'originales, elles placent le livre au coeur de notre vie quotidienne - parfois de façon très inattendue. Elles sont une source d'inspiration indispensable pour tous les amateurs de livres - ainsi que pour les libraires ayant envie de réinventer leur espace.

  • La photographie connaît depuis quelques années un engouement sans précédent auprès du public, des institutions, de la critique mais aussi des artistes, qui l'intègrent de plus en plus à leur pratique. Elle est ainsi devenue aujourd'hui l'un des principaux médiums de l'art contemporain.
    Ce livre analyse l'infinie variété de sujets abordés et de techniques employées par les artistes, mais il s'attache surtout, et c'est là son originalité, à dresser une typologie de leurs différentes approches. Pour certains artistes, comme Sophie Calle ou Erwin Wurm, la photographie est un moyen d'enregistrer une performance ou une action quotidienne, tandis que pour d'autres, comme Yinka Shonibare ou Gregory Crewdson, elle permet la mise en scène de récits imaginaires. Andreas Gursky, Thomas Demand et Rineke Dijkstra présentent de leur côté une vision froide et en apparence objective du monde extérieur, tandis que Richard Billingham, Nan Goldin ou encore Wolfgang Tillmans donnent à voir des détails intimes de leur vie privée. Entre les mains de Luc Delahaye et d'Allan Sekula, la photographie est un moyen de créer un travail documentaire, alors que pour d'autres encore, comme Cindy Sherman ou Gillian Wearing, l'image photographique devient un réceptacle de valeurs personnelles, sociales et culturelles dans un monde saturé d'images.
    Cette nouvelle édition revue et augmentée propose un nouveau chapitre dans lequel l'auteur s'intéresse aux artistes qui jouent sur les propriétés physiques et matérielles de la photographie, qui utilisent celle-ci comme l'un des nombreux matériaux de leur pratique artistique ou qui expérimentent de nouveaux modes de diffusion. Aux côtés d'artistes établis comme Isa Genzken ou Sherrie Levine, on découvrera des photographes plus jeunes tels que Florian Maier-Aichen, Anne Collier et Walead Beshty.
    Au fil de huit chapitres richement illustrés, Charlotte Cotton livre ainsi une introduction subtile et exigeante à une forme qui domine la scène artistique en ce début de XXIe siècle.

  • Nombreux sont les créateurs de mode qui restent aujourd'hui attachés à l'art du dessin et continuent à trouver magique la manière dont le feutre, la plume ou le crayon parviennent à traduire sur le papier, sous une forme matérielle construite, des pensées et des émotions intangibles.
    C'est à cet aspect mystérieux de la création de mode que s'attache cet ouvrage, en présentant un vaste échantillon représentatif de l'illustration de mode : 280 croquis réalisés par ceux-là mêmes qui créent la mode ; 60 stylistes, couturiers ou jeunes créateurs qui sont aujourd'hui les fers de lance de la mode contemporaine. des grandes figures mythiques telles que chirstian lacroix, sonia rykiel, yves-saint-laurent aux nouveaux visionnaires comme jens laugensen, rodarte ou roksanda ilincic, tous ont accepté, en nous confiant leurs dessins, de dévoiler la face la plus intime de leur travail.
    Chaque illustration, élégante et raffinée, proche de la bd ou du manga, en noir et blanc ou en couleurs, à l'encre ou à l'ordinateur, lève le voile sur le processus de création lui-même et met ainsi en lumière de façon étonnamment concrète l'impulsion à la base d'un vêtement ou d'une collection. a l'origine, seul le créateur ou la créatrice de mode, et éventuellement son équipe, étaient amenés à voir ces dessins, considérés comme des documents de travail, des sources d'inspirations ou des lignes conductrices.
    Extrêmement précieux, ils constituent pour tous ceux qui s'intéressent à la mode ou à l'art de l'illustration un must-have absolu : une plongée dans la création de mode à travers son médium le plus fascinant - le dessin.

  • Du xviiie siècle à la seconde guerre mondiale, l'artisanat et la manufacture britanniques ont occupé une place de premier plan dans les arts décoratifs occidentaux.
    La simple évocation des plus grands noms de cette période longue et complexe - thomas chippendale, robert adam, thomas sheraton, william morris, a. l. liberty... - fait resurgir une histoire et des réalisations rarement égalées dans le domaine des arts appliqués. le mobilier et les intérieurs conçus par ces créateurs ont exercé une influence déterminante dans le monde entier. même lorsque l'industrialisation transforma, au xxe siècle, la manufacture des biens ménagers et des objets, les recueils de modèles et les catalogues des fabricants demeurèrent le creuset d'un grand nombre de solutions élégantes à des problèmes pratiques.
    S'appuyant sur un éventail impressionnant de sources originales rarement publiées - recueils de modèles, de formes et de motifs, livres d'échantillons, archives de sociétés, catalogues de fabricants et de détaillants - les arts décoratifs anglais illustre ainsi l'extraordinaire richesse du patrimoine anglais. mobilier, textiles, papiers peints, verrerie, poterie : des sols jusqu'aux ustensiles ménagers, des poignées de porte à la vaisselle et aux luminaires, cet ouvrage dresse un panorama somptueux de la production britannique.
    Véritable célébration des arts décoratifs sous toutes leurs formes, ce livre de référence fournira une mine d'idées tant au spécialiste qu'à l'amateur

  • Accessoire incontournable, le foulard occupe dès le début du XXe siècle une place essentielle dans la garde-robe de la femme moderne. Après avoir été, au milieu du siècle dernier, une icône du style, il revient aujourd'hui en force, un regain d'intérêt qui n'est pas sans lien avec l'engouement pour la mode vintage. Si l'histoire du foulard fascine c'est qu'elle est révélatrice des changements intervenus de décennie en décennie dans la mode et le style de vie. De l'Art déco à l'éclectisme actuel en passant par l'élégance hollywoodienne des années 1950 et le style pop et graphique des Swinging Sixties, les foulards n'ont en effet cessé d'exprimer les styles en vogue et de se faire l'écho des mouvements artistiques majeurs. Cet ouvrage présente plus de 250 créations dues à des artistes, des créateurs textiles et des grands noms de la mode tels que Paul Poiret et Raoul Dufy, Jacqmar, Vera, Elsa Schiaparelli, Mary Quant, Gucci, Hermès ou Georgina von Etzdorf. Il propose une analyse du rôle de cet accessoire dans un contexte d'histoire sociale, et plus particulièrement dans le domaine de la publicité et du tourisme. Riche source d'inspiration pour les créateurs et les amoureux de la mode, Foulards et carrés de soie constitue en outre un très précieux ouvrage de référence pour les collectionneurs. Il révèle de manière splendide la richesse créative d'un objet de mode qui n'est autre qu'un véritable médium artistique.

  • Personnage séduisant, artiste versatile à l'étonnante maîtrise technique, david hockney est rapidement devenu l'un des artistes contemporains les plus populaires.
    Son oeuvre est sans cesse reproduite et interprétée, au point d'influencer le sentiment visuel de l'époque. depuis ses débuts, dans les années 60, il est parvenu à imposer un univers à la fois intime et universel de couleurs vives, de riches textures, au graphisme accompli et aux solutions formelles toujours captivantes. s'il a su se créer et imposer une mythologie personnelle, il a cependant toujours veillé à ne pas se reposer sur un style, sur un registre unique, et se déplace constamment vers de nouveaux projets, de nouvelles expériences.
    C'est la chronique détaillée et sensible de ce parcours que retrace l'ouvrage extrêmement vivant de marco livingstone, "première étude majeure, a écrit apollo, de la carrière de l'artiste". spécialiste du pop art, marco livingstone a veillé sur la destinée de plusieurs musées britanniques et consacré plusieurs expositions et ouvrages à la peinture moderne.

  • Le graphisme a joué un rôle majeur dans l'histoire de la culture visuelle du XXe siècle. Moyen d'identification, d'information et de promotion, le design graphique est devenu une profession et une discipline à part entière. Des affiches de la fin du XIXe siècle aux créations numériques les plus récentes, l'auteur présente une chronologie des arts graphiques pays par pays, méthode qui rend possible une description claire et précise des nombreux mouvements ainsi qu'une mise en contexte des innovateurs les plus importants. Plus de huit cents reproductions, affiches, couvertures de livre, pochettes de disque, publicités, logotypes, identités visuelles, viennent illustrer de façon parfaitement synchronisée les propos du graphiste Richard Hollis. Synthèse indispensable et passionnante pour les étudiants et les professionnels, Le Graphisme de 1890 à nos jours constitue un précieux livre de référence.

  • Cet ouvrage offre le panorama le plus complet à ce jour d'une forme d'art née il y a à peine quarante ans et désormais incontournable sur la scène artistique internationale. Objet, à ses débuts, de furtives apparitions sur de petits écrans dans des espaces alternatifs, l'art vidéo jouit maintenant d'une position dominante dans les grandes manifestations, où il occupe d'immenses espaces, sous la forme d'installations ou de projections. Abstraction, art conceptuel, minimalisme et Pop Art, performance, photographie et cinéma sont les mouvements et les formes constitutifs de cet art qui fait de la dimension temporelle l'une de ses données essentielles. Abondamment illustré de photogrammes et de séquences vidéo, L'Art vidéo retrace l'histoire de ce médium, depuis les premières expérimentations jusqu'à la révolution numérique actuelle en passant par les installations conceptuelles, politiques et poétiques des années 1980 et 1990, et dresse, ce faisant, le portrait non seulement des figures tutélaires que sont Frank Gillette, Jean-Luc Godard, Andy Warhol, Nam June Paik, Joan Jonas, Valie Export ou encore Chris Burden, mais aussi, bien évidemment, des grands praticiens de la vidéo contemporaine comme Bill Viola ou Gary Hill, sans oublier la nouvelle génération d'artistes représentée par Paul McCarthy, Tony Oursler, Steve McQueen, Michal Rovner, Tracey Moffatt, Sam Taylor-Wood, Doug Aitken, Pierre Huyghe, Matthew Barney, Douglas Gordon, Pipilotti Rist, Shirin Neshat ou Eija-Liisa Ahtila. Tandis que nous entrons dans l'ère «post-médium», époque marquée par l'exploration de l'hybridation des technologies, les artistes combinent et recombinent la vidéo avec un large éventail de matériaux - vidéo numérique, cinéma, DVD, art informatique, CD-rom, graphisme et animation - et créent ainsi de nouvelles formes d'expression artistique. La démocratisation des moyens techniques nécessaires à l'art vidéo signifie qu'aujourd'hui de nouveaux artistes, de la Chine à l'Amérique Latine en passant par l'Inde, arrivent sur le devant de la scène. Dans la présente édition mise à jour, Michael Rush examine les oeuvres et influences majeures issues de cette arène internationale élargie et analyse l'utilisation actuelle de la vidéo au sein de projets filmiques extrêmement divers, qu'il s'agisse d'installations multi-écrans, d'environnements immersifs de réalité virtuelle, de créations détournant la vidéo-surveillance à des fins esthétiques ou encore de sculptures mêlant matières et images en mouvement.

    Spécialiste des nouveaux médias, Michael Rush écrit régulièrement pour de nombreux quotidiens et revues. Il est l'auteur des Nouveaux Médias dans l'art, publié dans la collection L'Univers de l'art aux Editions Thames & Hudson, et dirige le Rose Museum à l'université de Brandeis dans le Massachusetts. Cet ouvrage publié en 2003 a connu un grand succès public et critique. Il est aujourd'hui remis à jour par son auteur.

  • Il est difficile d'imaginer un monde sans argent : il occupe une place centrale dans nos vies quotidiennes et régitIl est difficile d'imaginer un monde sans argent : il occupe une place centrale dans nos vies quotidiennes et régit
    l'organisation même de nos sociétés. De nombreux artistes ont choisi de traiter de cette puissante force sociale et des effets qu'elle exerce sur nous.
    Ce livre se présente sous la forme originale d'une exposition dans laquelle, salle après salle, le visiteur/lecteur découvre des oeuvres qui toutes analysent la place et le rôle de l'argent dans le monde contemporain. L'art qui est ici exposé révèle une grande diversité de démarches et de pratiques. Certains artistes représentent ou utilisent de véritables devises dans leurs oeuvres, tandis que d'autres s'attachent à des aspects plus abstraits tels que les flux monétaires internationaux. Certains créent des objets onéreux à partir de matériaux précieux ou façonnent des copies sculpturales de produits de luxe. D'autres, à l'opposé, fabriquent des oeuvres à l'aspect rudimentaire qui soulèvent la question de la valeur monétaire. Certains, estimant que l'art est un produit de consommation utilitaire comme un autre, imaginent des
    oeuvres que l'on a peine à distinguer d'un objet de design ou d'une réalisation architecturale, tandis que d'autres proposent des oeuvres qui traitent du commerce, y compris celui de l'art. D'autres encore envisagent l'art comme un moyen d'explorer et d'éprouver des alternatives qui pourraient un jour défier voire remplacer notre système capitaliste. Tous s'interrogent sur la fonction complexe de l'argent dans notre société de consommation.
    Par leur art, les artistes de cet ouvrage nous aident à comprendre les mécanismes de l'argent et à mieux appréhender le monde dans lequel nous vivons.l'organisation même de nos sociétés. De nombreux artistes ont choisi de traiter de cette puissante force sociale et des effets qu'elle exerce sur nous.
    Ce livre se présente sous la forme originale d'une exposition dans laquelle, salle après salle, le visiteur/lecteur découvre des oeuvres qui toutes analysent la place et le rôle de l'argent dans le monde contemporain. L'art qui est ici exposé révèle une grande diversité de démarches et de pratiques. Certains artistes représentent ou utilisent de véritables devises dans leurs oeuvres, tandis que d'autres s'attachent à des aspects plus abstraits tels que les flux monétaires internationaux. Certains créent des objets onéreux à partir de matériaux précieux ou façonnent des copies sculpturales de produits de luxe. D'autres, à l'opposé, fabriquent des oeuvres à l'aspect rudimentaire qui soulèvent la question de la valeur monétaire. Certains, estimant que l'art est un produit de consommation utilitaire comme un autre, imaginent des
    oeuvres que l'on a peine à distinguer d'un objet de design ou d'une réalisation architecturale, tandis que d'autres proposent des oeuvres qui traitent du commerce, y compris celui de l'art. D'autres encore envisagent l'art comme un moyen d'explorer et d'éprouver des alternatives qui pourraient un jour défier voire remplacer notre système capitaliste. Tous s'interrogent sur la fonction complexe de l'argent dans notre société de consommation.
    Par leur art, les artistes de cet ouvrage nous aident à comprendre les mécanismes de l'argent et à mieux appréhender le monde dans lequel nous vivons.

  • Aussi subtile et multiforme que la congrégation des dieux qu'elle honore, la culture indienne échappe souvent, par sa complexité, à notre appréhension. De cette multitude de langues, de croyances, d'esthétiques, Roy C. Craven dresse un panorama concis et lumineux, en se fondant sur les meilleures études en la matière : des origines, encore mystérieuses, avec la civilisation de l'Indus, jusqu'à l'avènement de l'Islam et la culture éclectique des cours mogholes, en passant par les chefs-d'oeuvre bouddhiques et hindous. Quoique l'on puisse évidemment apprécier en soi, hors de toute référence culturelle, l'art indien, l'étude de Roy C. Craven permet d'approfondir cette jouissance en guidant le lecteur à travers de subtiles ramifications et un symbolisme complexe. Cet ouvrage passionnant est à présent enrichi, dans cette nouvelle édition, d'une section consacrée à l'époque contemporaine, d'un glossaire et d'une chronologie.

  • L'impact des technologies du numérique sur la création artistique contemporaine est immense. Non seulement des disciplines dites classiques, comme la peinture ou la sculpture, ont été profondément transformées par le numérique, mais celui-ci a également donné naissance à des formes radicalement nouvelles telles que l'art Internet, le Software art, le Database art ou la réalité virtuelle. Cet ouvrage richement illustré, première étude en grand format de l'art créé à l'aide de l'outil numérique, présente le travail de plus d'une centaine d'artistes du monde entier, des artistes animés par la volonté d'expérimenter, de repousser toujours plus loin les frontières de l'expression artistique, et d'apporter un élément de réponse aux questions sociales et politiques qui se posent de manière brûlante à l'ensemble de l'humanité. Après avoir retracé la genèse de l'art numérique, ce livre se propose d'en considérer les principales catégories, des images et sculptures numériques à l'art Internet, en passant par les créations de réalité virtuelle et les formes nouvelles d'installations, sans oublier les oeuvres filmiques (vidéo numérique ou animation de synthèse). En regard des analyses et illustrations d'oeuvres clés, dues à des créateurs célèbres ou destinés à le devenir, figurent des propos d'artistes révélant leurs sources d'inspiration et méthodes de travail. L'ouvrage s'achève par une réflexion sur l'avenir de cette forme artistique liée à une technologie en constante et rapide mutation. L'Art à l'ère du numérique est un guide essentiel pour qui souhaite s'immerger dans l'univers passionnant d'une forme d'art en perpétuel devenir afin d'en découvrir l'esthétique originale et d'en comprendre les multiples enjeux.

  • De 1278 à 1477 - deux siècles d'une importance déterminante pour l'histoire de l'art -, la cité-république de Sienne a abrité une succession de peintres majeurs qui produiront quelques-uns des plus grands chefs-d'oeuvre de tous les temps. Cet ouvrage constitue une introduction essentielle à cette fabuleuse tradition artistique qui a vu l'invention d'un nouveau langage pictural concernant notamment la représentation de la ville, de son architecture et des paysages environnants. Suivant une approche globalement chronologique, le livre débute au XIVe siècle avec Duccio, Simone Martini et les frères Lorenzetti, puis aborde le XVe siècle, où Sassetta et les peintres de sa génération célèbreront la gloire déchue de la république et leur espoir de la restaurer. L'étude subtile des styles, conventions et protagonistes de la peinture siennoise ainsi que l'analyse du contexte historique et politique permettent de comprendre l'homogénéité qui caractérisait Sienne et ses représentations, de comprendre qu'édifices, espaces publics et peinture partagaient un même langage.

  • Ma Ville en vert présente une multitude d'idées pour réintroduire la nature au coeur de la cité.
    De l'architecture à l'activisme potager, du design au jardinage, ce livre foisonnant de réalisations d'artistes, d'architectes, de designers et de simples citoyens à travers le monde réinvente notre quotidien urbain avec poésie, humour, créativité et respect de l'environnement.
    Potagers urbains, jardins communautaires, guerilla gardening, fermes verticales, interventions artistiques, design vert., les centaines de projets présentés ici révèlent avec force les possibilités fonctionnelles et esthétiques de l'écologie urbaine.
    Tandis que certains de ces projets vont jusqu'à modifier le paysage urbain, d'autres, à une échelle plus réduite mais non moins importante, font de nos villes des endroits plus verts et tout simplement plus agréables à vivre. Quelle que soit leur nature, tous ces projets nous amènent à changer notre regard sur la ville et la manière dont nous pensons notre environnement.

  • Drancy ou le travail d'oubli William Betsch Traduit de l'anglais par Gilles
    Berton Parution : 11 mars 2010 Une enquête photographique et historique sur le
    Drancy d'hier et d'aujourd'hui par celui grâce à qui la Cité de la Muette fut
    classée sur la liste des monuments et des sites protégés en 2001. Il y a des
    lieux qui connaissent une destinée singulière et tragique - la Cité de la
    Muette à Drancy est de ceux-là. Conçu par les architectes modernistes Beaudouin
    et Lods dans les années 1930 sur le modèle des cités-jardins, cet ensemble de
    logements sociaux se voulait utopique. La crise économique et politique en
    France devait très vite en décider autrement. En effet, la Cité de la Muette
    /> fut transformée en caserne pour la gendarmerie et en prison dès avant la
    guerre. Lorsque l'occupant nazi s'en empara, il s'agissait déjà d'un lieu
    d'internement ; sous son commandement, il devint un camp de concentration
    depuis lequel des dizaines de milliers de personnes, dont plus de 67 000 Juifs,
    furent déportés vers les camps de la mort, principalement à Auschwitz-Birkenau,
    via la gare du Bourget puis, dès la mi-1943, celle de Bobigny. Dans les caves
    de la Cité qui étaient autrefois les cachots du camp, le photographe William
    Betsch a retrouvé de nombreuses inscriptions datant de cette sombre époque -
    noms, dates, portraits, prières : traces émouvantes d'une vie inscrite in
    extremis par des hommes et des femmes dont il tente de découvrir l'histoire et
    le destin, traces qui côtoient celles laissées peu après par les collaborateurs
    internés dans ce même lieu. Les murs de Drancy forment un vertigineux
    palimpseste. La découverte de ces inscriptions décida Betsch à enquêter sur ce
    lieu. A travers un texte richement documenté, il analyse les faits qui ont
    participé à plonger en partie Drancy dans l'oubli. Il nous livre ainsi les
    fruits de sa recherche concernant non seulement la genèse de la Cité de la
    Muette, son changement de vocation, son fonctionnement sous commandement nazi,
    mais aussi l'énigmatique discordance des récits portant sur le creusement d'un
    tunnel d'évasion découvert par les SS peu avant son achèvement, discordance qui
    amène Betsch à s'interroger sur le rôle joué par le commandant allemand du
    camp, Aloïs Brunner, dans ce projet d'évasion. Aux images des sous-sols,
    l'auteur oppose celles d'un Drancy en surface. Ses photographies d'appartements
    et de commerces dans la Cité ainsi que de rues voisines portent d'innombrables
    signes d'une mémoire qui chercherait, avec une troublante insistance, à
    s'imposer. Au travers des nombreuses interrogations qu'il soulève, William
    Betsch révèle les points d'ombre qui demeurent à Drancy et nous incite à
    comprendre pour ne pas oublier. William Betsch est né en 1945 aux États-Unis.
    Il vit et travaille en France depuis 30 ans. Parmi ses autres ouvrages, on peut
    citer The Hakima, publié par Aperture, et Le Bain : Cité du sang (avec Carole
    Naggar), aux éditions Pierre Fanlac. ``Le travail du photographe américain
    William Betsch, qui a retrouvé dans les caves ayant servi de cachots de
    multiples inscriptions, est à l'origine de [la] procédure de classement [de la
    Cité de la Muette] : ni les organisations de la communauté juive, ni celles des
    survivants de la déportation ne l'avaient jamais réclamée.'' Annette Wieviorka,
    L'Histoire n° 257, septembre 2001 Volume broché 22,5 x 22,5 cm - 240 pages 196
    illustrations ISBN : 978-2-87811-330-3 ?

  • Présentation du livre La Vallée des Rois, où sont enterrés les pharaons du Nouvel Empire, ne cesse de passionner un public de plus en plus vaste. Or, pour la plupart, les gens ignorent que la base des collines du massif thébain, à l'est des tombes royales, compte d'innombrables sépultures merveilleusement décorées de personnages qui étaient au service des pharaons : vizirs, fonctionnaires, courtisans et même ouvriers et artisans qui excavaient et décoraient les hypogées royaux. À ce jour, environ 900 cents tombes, datant de diverses périodes de l'histoire égyptienne, ont été découvertes dans ces collines rocheuses, et il est certain que beaucoup d'autres y sont encore cachées.
    Ce livre s'intéresse à environ 80 tombes creusées dans les collines au cours du Nouvel Empire, période qui représente l'âge d'or de l'Égypte et qui s'étend approximativement de 1550 à 1100 av. J.-C. Si certaines de ces sépultures privées sont bien connues et contiennent des scènes familières, d'autres ont presque disparu aux yeux du monde. Beaucoup d'entre elles, quoiqu'accessibles, sont fermées au public et ne sont visitées que sporadiquement par les chercheurs. D'autres ont été recouvertes au cours des siècles par des villages, le plus célèbre étant celui d'El-Gournah, situé à l'ouest de Ramesseum. Afin de permettre le sauvetage des tombes, le Conseil Suprême des Antiquités (CSA), dont l'auteur Zahi Hawass est le secrétaire général, a financé la construction d'un nouveau village à El-Tarif au nord de la Vallée des Rois afin d'y transférer en 2008 les habitants d'El-Gournah, qui fut alors presque entièrement démoli, révélant très vite de nouvelles tombes.
    Toutes les sépultures décrites dans ce livre nous éclairent non seulement sur la vie des anciens Égyptiens, sur les fonctions magiques de ces petits temples destinés au culte des morts, mais aussi plus généralement sur l'histoire de cette période extraordinaire. Grâce aux photographies superbes et hautement détaillées de Sandro Vannini, le lecteur découvre toute la splendeur des tombes, notamment de celles demeurées fermées au public depuis de longues décennies. Ces images rares représentent un témoignage précieux de ces monuments irremplaçables et participent grandement à la compréhension de l'univers des anciens Égyptiens.

    Présentation de l'auteur Zahi Hawass, secrétaire général du Conseil Suprême des Antiquités, est le directeur des fouilles de Giza, de Saqqarah et de l'oasis de Bahariya. Tout au long de sa brillante carrière d'égyptologue, il a fait plusieurs découvertes majeures dont les tombes des constructeurs des pyramides de Giza et de la Vallée des Momies d'Or à Bahariya. Il a écrit de nombreux ouvrages et articles sur l'Égypte ancienne, entre autres Le Trésor de Toutankhamon (Imprimerie Nationale), The Royal Tombs of Egypt et une autobiographie, Secrets from the Sand.

    Présentation du photographe Sandro Vannini, photographe de renommée internationale, travaille en étroite collaboration avec Zahi Hawass depuis de nombreuses années. Ensemble ils ont notamment réalisé l'ouvrage The Royal Tombs of Egypt.

    - Un magnifique ouvrage servi par des illustrations fascinantes - Des oeuvres sauvées de l'oubli et de la destruction montrées pour la première fois - Un ouvrage incontournable pour tous les amateurs d'art égyptien

  • Chaque année, dans toute l'Europe, de la France à la Bulgarie, de la Finlande à la Sardaigne, du Portugal à la Grèce en passant par la Suisse et l'Allemagne, des hommes, le temps d'une mascarade multiséculaire, entrent littéralement dans la peau du « sauvage ».
    En devenant ours, chèvre, cerf ou sanglier, homme de paille, diable ou monstre aux mâchoires d'acier, ces hommes célèbrent le cycle de la vie et des saisons. Leurs costumes, faits de peaux de bêtes ou de végétaux, sertis d'ossements ou ceinturés de cloches, chapeautés de cornes ou de bois de cerfs, sidèrent par l'extraordinaire diversité et la prodigieuse beauté de leurs formes. Les portraits photographiques d'hommes sauvages de Charles Fréger subliment cette suspension provisoire de la normalité qu'est la mascarade et révèlent une tradition méconnue d'une étonnante richesse.
    Toutes les figures photographiées sont décrites, en fin d'ouvrage, dans le contexte du rituel auquel elles se rattachent. Ces textes ont été rédigés en collaboration avec le Musée international du Carnaval et du Masque situé à Binche en Belgique, et sont illustrés des silhouettes créées pour l'occasion par Geneviève Gauckler.

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